Symphonie pour cordes (op. 20, 1959)
I. Andante maestoso, II. Vivace
Orchestre à cordes
Durée: 18 minutes
Orchestre de la semaine de travail de musique moderne | Bertold Hummel
Titre : Sinfonie pour cordes 1959 - Volume : 43 pages avec de nombreuses corrections manuscrites - Datation : version réduite 10 sept. 64 / version finale 1971 (mai) après représentation à Caen - Lieu de conservation : Bayerische Staatsbibliothek, Munich
N. Simrock Hamburg-London (Boosey & Hawkes) Studienpartitur, Stimmen (matériel de prêt)
L'œuvre, substantiellement dense, qui présente un haut degré de spiritualisation malgré toute sa vitalité expressive et qui se caractérise par un sérieux ésotérique - loin de tout ludique -, semblait convenir à l'orchestre dans toute sa facture. L'alternance d'une sonorité âpre, d'une ardeur et d'une tension des lignes (on pensait parfois à Samuel Barber) et d'une fragilité vitreuse dans l'Andante maestoso n'a pas été reproduite sans noblesse. Il en va de même pour le tracé des âpres biscornus du Vivace. Tout cela était bien travaillé, avait du relief et captivait l'auditeur attentif.
Une œuvre intéressante dès l'exposition, la constitution et l'enrichissement du fonds. Jusqu'à la fin, elle respecte la logique, mais c'est une logique de surprises, les changements de motifs ne donnent pas l'impression d'être forcés et pourtant ils sont impératifs, ils surviennent à l'improviste et sont toujours évidents. Ainsi, l'Andante maestoso n'adopte pas le geste de la solennité, sa mesure austère est pleine de nuances. Le Vivace est un exemple parfait de la manière dont on peut cultiver la pureté du style tout en produisant des effets élémentaires, lorsque le sens de la possibilité d'évolution du matériau, de son potentiel, est aiguisé.
Erich Riede a donné une interprétation précise avec l'Orchestre philharmonique de la ville, il n'a pas pris l'andante trop au sérieux et a perçu dans le deuxième mouvement une agitation captivante qui ne s'explique pas uniquement par la mesure du temps. La partie de violoncelle solo de l'Andante, une cadence d'une force virile, a été jouée par Edmund Link d'une manière impeccable.
Otto Schmitt
Dans ma symphonie pour cordes en deux mouvements, je ne renonce pas du tout à une gestuelle symphonique éprouvée. Il n'y a toutefois pas de thème polaire, mais le matériau motivique tiré d'une cellule de six notes est soumis à des modifications rythmiques et figuratives constantes. L'Andante maestoso expressif, conçu à la manière d'un rubato, qui est repris à son apogée par une large cadence du violoncelle solo - contrepointé par le tutti jouant avec des sourdines - s'oppose au mouvement Vivace, excité par des énergies motrices. Les séquences sonores développées dans le premier mouvement y reçoivent un nouvel éclairage d'une toute autre nature. Une parenthèse en forme de marche - réalisée dans une technique de canon variée - débouche sur une partie finale tourbillonnante qui résume une fois de plus les différents éléments de la symphonie.
Bertold Hummel
Introduction au concert de la 1ère symphonie op. 20
Je voudrais tout d'abord exprimer ma joie de voir, pour la première fois à ma connaissance, une de mes œuvres orchestrales jouée ici à Trèves.
La situation dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale était assez déroutante pour les jeunes compositeurs (j'en faisais encore partie à l'époque). Les créations du 20e siècle réprimées sous le "3e Reich" étaient désormais à nouveau accessibles. Les œuvres de Bartok, Hindemith, Stravinsky ont conquis les salles de concert. Un peu plus tard, un "come back" durable de ce que l'on appelle la deuxième école de Vienne s'annonce : Schönberg, Webern et Alban Berg.
Ces années-là, il y avait donc un certain nombre de jeunes compositeurs dont la création était davantage influencée par les œuvres des premiers cités et un groupe qui prenait davantage la relève de l'école de Vienne.
Disons-le tout de suite : J'ai fait partie du groupe de ceux qui ont été stimulés par Hindemith, Bartok et Stravinsky, etc. La première symphonie pour cordes au programme de ce soir en témoigne certainement.
Néanmoins, il reste - à mon avis - suffisamment d'éléments propres qui font référence à ma création ultérieure. La forme en deux mouvements, que j'ai d'ailleurs reprise plus tard dans mes Visions op. 73 (mais aussi dans des œuvres de musique de chambre), doit permettre à l'auditeur de suivre les épisodes fortement contrastés de l'œuvre. J'espère maintenant que mes retrouvailles avec ma 1ère œuvre seront agréables.
Bertold Hummel (Trèves 13. 11. 1986)
En avril 1960, Bertold Hummel reçut pour sa symphonie pour cordes le prix d'encouragement de la ville de Stuttgart pour les jeunes compositeurs de musique sérieuse. La première officielle de l'œuvre eut lieu le 30 mars 1962 à Stuttgart.
Réflexions sur l'exécution de la "Symphonie pour cordes" de Hummel le 13.11.1986 à Trèves
La symphonie pour cordes de Bertold Hummel a été composée en 1959, le compositeur était donc dans sa trente-quatrième année. Si l'on suit attentivement l'évolution de son œuvre de compositeur, on constate qu'elle a été très lente, mais constante. Cela ne signifie pas qu'il a peu écrit : Hummel a toujours suivi sur ce point l'exemple de Max Reger, à qui l'on doit l'expression selon laquelle un artiste doit "écrire librement".
Au fil de nombreuses œuvres - l'œuvre de Hummel couvre tous les domaines de la musique - son style se développe et devient, au plus tard à partir des années 1970, une signature unique. Je le dis expressément : aucun compositeur allemand de sa génération, pas même Henze, n'a développé un style qui permettrait d'identifier une œuvre comme typique dès les premières mesures. Dans la nouvelle musique, on ne pourrait dire la même chose que du vieux Messiaen. Les œuvres clés de Hummel dans ce contexte seraient la deuxième symphonie (1966), le ballet "Die letzte Blume" (1975), puis les chefs-d'œuvre plus récents : "Visionen" pour orchestre et le concerto pour percussion et orchestre.
La symphonie pour cordes que vous entendez aujourd'hui est une œuvre importante de la phase précédente. On trouve dans cette pièce de nombreux germes du style de la maturité, même si des modèles nous saluent encore ici et là, comme Bartok, par exemple, dans les figures tournantes virtuoses du deuxième mouvement, ou encore Genzmer, chez qui Hummel a étudié. En contrepartie, cette pièce offre une fraîcheur remarquable - presque encore juvénile. Une vertu que l'on rencontre rarement chez d'autres auteurs allemands dans les années 50 et 60.
Ce qu'il faut souligner dans cette pièce, c'est tout d'abord sa structure en deux mouvements : à l'espressivo et au geste puissant succède le ludus, le jeu. Un grand moment, par exemple, lorsque l'action s'interrompt dans le premier mouvement et que la note mi reste dans les basses sur un long violoncelle solo, auquel répondent les violons et les altos accordés, qui s'unissent au violoncelle, se dirigent vers un point culminant, s'interrompent ; le violoncelle (Hummel est violoncelliste !) fantasme encore quatre mesures seul, puis s'éteint avec le mi grave. Une coda relativement courte conclut le mouvement dans un geste de recueillement.
Le deuxième mouvement, dont le ton central est le la, est en relation de quinte pure avec le premier (mi - la). Très musical, entrecoupé de blocs dramatiques, ce mouvement laisse libre cours à l'instinct de jeu et confère à l'ensemble de la symphonie une attitude classicisante.
Les constantes du langage musical de Hummel, telles qu'elles se dessinent déjà dans cette œuvre : une gestuelle très éloquente (déclamatoire), un sens du drame qui concerne principalement la forme, une harmonie qui résulte de la superposition de petits éléments et qui travaille donc souvent avec une mixture réelle, une mélodie qui travaille de préférence des champs dodécaphoniques, et enfin, dans le domaine rythmique, une prédilection pour les ostinati.
Claus Kühnl